Por Nicolás Martínez Ramírez

Sin duda alguna, en muchas ocasiones, la realidad supera la ficción. Y es precisamente esa idea la que domina a "Bestia", representante nacional en la competencia a Mejor Cortometraje Animado.

En sus 15 minutos de duración, el corto se basa en la historia de Ingrid Olderöck, una de las torturadoras más brutales de la dictadura de Pinochet.

Con una mirada fría, penetrante y llena de odio, a través de sus actos, el personaje no da espacio a ninguna sensación nada más que no sea el sentirse en constante alerta y tensión. Lo que podría ser la tierna historia de una solitaria mujer acompañada de su perro Volodia, solo se transforma en un relato cinematográfico del horror.

Todo sin recurrir a ninguna palabra y utilizando el stop motion como técnica. Orientado, ciertamente, a un público adulto adopta la forma de un thriller psicológico, cuenta con influencias del cine de Roman Polanski y Lars von Trier.

Dirigido por Hugo Covarrubias, autor de "El almohadón de plumas" (2007) y "La noche boca arriba" (2012), el corto transita por su día a día como torturadora en el centro "La Venda Sexy".

Atravesando sus miedos y frustraciones, plasmadas como pesadillas, todo el desarrollo de la animación transcurre dentro de la cabeza de la protagonista. La misma que albergó las más desalmadas y descabelladas ideas de tortura sexual hacia sus víctimas, utilizando a su propio perro como herramienta.

Aún sin conocer la historia detrás del horrendo personaje o de los propios años de la dictadura, el relato logra contar cómo era y qué hacía. Descendiente de alemanes afines al nazismo, Olderöck creció en un hogar autoritario y con deprecio a la cultura latina, según relata "Ingrid Olderöck: la mujer de los perros", libro de Nancy Guzmán que inspira el corto.

Siendo mayor de Carabineros, "la mujer de los perros" ingresó a la Dina con el grado de capitana y participó en la Escuela Femenina, donde cerca de 70 mujeres fueron instruidas para cometer torturas contra opositores a la dictadura militar.

¿LOCA?

En julio de 1981, la torturadora fue víctima de un atentado en su contra, recibiendo un disparo en la cabeza y tras ese incidente se acogió a retiro. La bala que quedó en su cabeza le sirvió como excusa para eludir a la justicia.

Calificada como una mujer inteligente, Olderöck siempre alegó locura, gracias a la bala en su cabeza, para no ser castigada y murió impunemente en 2001. Sin embargo, estaba convencida que el atentado no había sido perpetrado por miembros del MIR -como cuenta la versión oficial- sino por Carabineros en represalia por su deserción.

Concebido como una "reflexión sobre la maldad", el corto logra su objetivo, ya que el espectador no puede más que reflexionar en torno a la figura de una mujer estructurada, sádica, indolente e imperturbable.

Prueba de ello es la fría rutina que muestra "Bestia". Sagradamente, la mujer desayuna junto a su perro, llega al centro donde están los detenidos, recibe instrucciones, pone música bailable y comienza -junto a Volodia- las sesiones de tortura, tanto a mujeres como a hombres.

Cuando es asignada a otras labores, se produce un quiebre, ya que, al no poder torturar más, la mujer comienza a ahondar en sus frustraciones y desilusiones. Sin embargo, incluso pese a las constantes pesadillas que la aquejan -donde incluso se ve perseguida por sus víctimas- nunca muestra arrepentimiento ni compasión.

Finalizando tal como inició, siempre en la mente de la torturadora, el corto es el fiel reflejo animado de uno de los episodios más oscuros de la historia de Chile, uno donde personajes como Olderöck -una verdadera bestia- nos recuerda lo más bajo e insensible del ser humano.

Candidata al Oscar, "Bestia" es el quinto filme chileno en los últimos nueve años que es nominado a los premios de la Academia. Dos de ellos, uno en la misma categoría, ya obtuvieron la estatuilla.

Por Agencias

Slash, uno de los grandes guitarristas del mundo, vuelve por partida doble en 2022 con la gira de Guns N'Roses interrumpida por la pandemia y con un nuevo disco a su nombre junto a Myles Kennedy & The Conspirators, "4", en el que hace buena una vez más la premisa que lo llevó a lo más alto: "Emoción por encima de técnica".

"Eso es lo más importante para mí", subraya a la agencia de noticias Efe este británico criado en California que, consultado por el calado de su aporte o la de colegas como John Frusciante (de Red Hot Chili Peppers) al éxito de sus grupos, señala: "A veces no se trata tanto de ser bueno como de tener estilo propio lo que hace que una banda funcione. Va mucho más de la individualidad del sonido, de que sea reconocible".

La supremacía de la emoción sobre la perfección es lo que lo llevó también a grabar su último disco en vivo después de ensayarlo, como si se encontraran en una sala de conciertos, con apenas un par de tomas registradas de cada corte antes de pasar al siguiente. En una semana, a una media de dos temas por día, la grabación había concluido.

"A muchos productores les parece demasiado arriesgado, pero el nuestro, Dave Cobb, nos motivó mucho para hacerlo así, lo que hizo el proceso mucho más divertido y liberador. Queríamos captar la atmósfera de una banda de rocanrol", justifica quien nació como Saul Hudson en 1965.

Preproducido y grabado entre marzo y abril de 2021, el sonido es tal reflejo del momento vivido que Myles Kennedy, el vocalista que lo acompaña desde hace 12 años, afirmó que en el primer corte, "The River Is Rising", podía escucharse su congestión a causa del covid-19.

"Él, que conoce su voz, dice que sí se oye, así que supongo que es así, pero yo no fui capaz de percibirlo; para mí suena igual de increíble que siempre al cantar", afirma el guitarrista de dedos ágiles, rizos, lentes oscuros y sombrero de copa.

EL COVID EN UN DISCO

La pandemia está presente en este álbum también en las temáticas, ya que la mitad de los temas los escribió tras el estallido de la misma, y así es posible percibir la "ira y frustración" que subyacen en cortes como la citada "The River Is Rising", "Whatever Gets You By" o "Call Off the Dogs".

"Fue una música muy influida por la situación, como 'Feel My World', que fue una reacción a los confinamientos, a la gente parada sin trabajo y a las incontables muertes, algunas de amigos y familiares míos", reconoce sobre la vibración de este álbum, que es el primero que edita el sello creado por Gibson, la mítica fabricante de sus guitarras.

La otra mitad de los cortes de "4" respira la energía de su anterior gira con Myles Kennedy & The Conspirators, "Living The Dream" (2018), formación que tras una década larga y cuatro álbumes va camino de convertirse en uno de los proyectos más sólidos y con más continuidad de su carrera.

"Desde que los conocí tuvimos una química automática, tanto a nivel creativo como personal. Eso genera una magia cuando estamos juntos que ha seguido adelante en estos años. Además, es una banda con la que es muy fácil trabajar. No es una gran banda de estadios y estrellas pop, así que simplemente cerramos nuestras giras y salimos a pasarlo bien, un enfoque que no ha cambiado en este tiempo", señala.

En estas entrevistas, en las que se muestra como un tipo afable, Slash no permite preguntas sobre Guns N'Roses y, aunque no la cita explícitamente, en esa respuesta resulta difícil soslayar la comparación entre sus dos actuales proyectos.

SIN AXL NI ROSES

Hudson comenzó su andadura con la mítica formación comandada por Axl Rose desde sus inicios con "Appetite For Destruction" (1987), disco que los catapultó directamente a lo más alto. En 1996 abandonó el grupo oficialmente tras publicar su primer trabajo al margen, "It's Five O'Clock Somewhere" (1995), y ese mismo año ya manifestaba argumentos similares para justificar su hastío y marcha.

"Nos hicimos famosos y, como suele suceder en estos casos, aparecen los promotores, los abogados y el conjunto se transforma en un gran negocio y surgen las tensiones, las peleas entre los músicos; para mí la orquesta siempre fue una orquesta de rock y nada más mientras que para Axl era mucho más", dijo tras un concierto en Budapest, según recogió la misma agencia Efe.

Slash regresó junto a Duff McKagan y Axl Rose en una gira histórica en 2015 y, desde entonces, ha compaginado ambas bandas sin aparentes problemas, lo que ha permitido disfrutar de su destreza en vivo en los "riffs" más a menudo.

La actriz británica Emma Thompson arribó ayer al Festival Internacional de Cine de Berlín, o Berlinale, en Alemania, para hablar de su "trabajo corporal" en "Good luck to you, Leo Grande", una película en la que interpreta a una mujer de 55 años determinada a vivir su primer orgasmo.

"Fueron 19 días de trabajo físico muy intenso", explicó la intérprete sobre el rodaje dirigido por Sophia Hyde ("Animals", 2019) y centrado en una viuda que contrata a un gigoló, a modo de terapia y en busca de las zonas erógenas desconocidas.

"Para ustedes, los alemanes, la desnudez puede ser más normal. Pero los británicos tenemos que luchar contra nuestro puritanismo", dijo la actriz entre risas, tras dar vida a una maestra jubilada que contrata los servicios sexuales de Leo -Daryl McCormack- para tratar de descubrir los secretos que nunca conoció.

"Fue gratificante trabajar tan intensamente con él, no solo por su hermoso cuerpo", confesó Thompson, junto a su compañero de reparto.

"TEATRO DE CÁMARA"

La película de Hyde fue a la sección Berlinale Special con carácter de exhibición y el compromiso de aportar estrellato a la alfombra roja del festival, que este año regresó a lo presencial tras quedar limitada al formato virtual en 2021 por la pandemia.

Para asistir acudir a cualquier proyección, rueda de prensa o acercarse a la alfombra roja es necesario registrarse previamente, además de presentar el certificado de esquema completo de vacunación y un test del día negativo, incluso para aquellos que han recibido dosis de refuerzo, señaló la agencia de noticias Efe.

"Good Luck to you, Leo Grande" fue rodada bajo las condiciones impuestas por la pandemia, como la mayoría de los filmes que se están produciendo en tiempos del covid-19.

La historia, además, adoptó el formato de "teatro de cámara" en la habitación de un hotel, lo mismo que ocurre parcialmente en la película "Avec amour et acharnement", una de las aspirantes a los Osos de la competición oficial, interpretada por Juliette Binoche y Vincent Lindon, bajo la dirección de Claire Denis.

También ahí Binoche se entrega sin reparos a la cámara de Denis, en una interpretación emocional y extrema, incluido en lo físico, en el papel de una mujer dividida entre el buen y estable amor, el de su pareja actual, y la menos confesable pasión por su anterior compañero.

Ambas actrices, la británica Thompson y la francesa Binoche, fueron recibidas sobre la alfombra roja como amigas fieles de un festival ansioso de dar señales de vitalidad, pese a los obstáculos derivados de la pandemia.